Mnoho lidí věří, že v 21. století nezůstali žádní umělci. Ve skutečnosti tomu tak však není. A v současné době existuje mnoho talentovaných a slavných umělců, jejichž díla jsou vystavena na výstavách, které vydělávají spoustu peněz. Níže je uveden seznam 20 nejznámějších a nejlépe vydělávajících umělců, kteří jsou aktivní tvůrčí činnost nejen na území Ruska.
Ruský umělec Alexander Ivanov, narozený v roce 1962, je nejlépe známý pro své dílo s názvem „Láska“, které bylo namalováno v roce 1996 a prodalo se za téměř 100 000 rublů. Jeho styl je abstrakcionismus. Je také obchodníkem, zabývá se sběratelskou činností a otevřel Faberge Museum v Německu v Baden-Badenu.
Olga Bulgakova je jednou z mála talentovaných a slavných umělců v Rusku, narodila se v roce 1951 a je členkou Ruské akademie umění jako člen korespondent. Představitel malířského hnutí Brežněvovy éry, kterému se říká „karneval“. Její nejznámější dílo je „Sen červeného ptáka“, napsané v roce 1988.
Ruský umělec Michail Brusilovsky, působící pod pseudonymem Misha Shaevich, je v tomto hodnocení zahrnut a zaujímá 18. místo. Tento světoznámý umělec
Talentovaný ruský umělec Lev Tabenkin se narodil v roce 1952 v ruské metropoli Moskvě. Tento malíř vidí obraz jako sochař. Zdá se, že jeho psané postavy jsou vytesané z hlíny. Jedním z nejslavnějších Levových obrazů je „Jazz Orchestra“, namalovaný v roce 2004. Bylo prodáno za 117 650 rublů.
Projekt AES+F se skládá ze čtyř lidí ve skutečnosti se jméno skládá z počátečních písmen příjmení účastníků: Tatyana Arzamasova, Lev Evzovich, Evgeniy Svyatsky, Vladimir Fridnes. Kreativita této společnosti se vyznačovala velmi dobrou prezentací již v devadesátých letech a byla oceněna pouze ve dvou tisících. V dnešní době většinou vytvářejí velké animované nástěnné malby, které se vysílají na desítkách obrazovek. Jedno z nejslavnějších děl této společnosti: „Warrior 4“.
Ruský umělec Sergej Volkov se narodil v Petrozavodsku v roce 1956. Jeho díla se vyznačují tím, že tvořil v období perestrojkového umění. Obrazy jsou malovány velmi expresivně, kde jsou vidět velmi promyšlené výpovědi a ideologie. Jeho nejznámějším obrazem je Dvojité vidění. Triptych".
Umělci Alexander Vinogradov a Vladimir Dubossarsky se narodili v Moskvě v letech 1963 a 1964. Začali spolu pracovat v roce 1994, kdy se setkali na festivalu a vytvořili neobvyklý a grandiózní projekt. Originální design si získal respekt mnoha sběratelů. Jejich obrazy visí na tak slavných místech, jako je Treťjakovská galerie, Ruské muzeum a dokonce i Pompidouovo centrum. Sami jsou tvůrci galerie Art Strelka a organizátory festivalu Art Klyazma.
Ruský umělec Vladimir Yankilevsky byl také zařazen do seznamu nejlépe placených a slavných umělců. Narodil se v Moskvě v roce 1938. Vladimírův otec byl také umělec a jeho syn zdědil jeho profesi. Vladimír pracuje ve stylu surrealismu – kreativita s paradoxními kombinacemi. V roce 1970 namaloval jeden z nejznámějších obrazů s názvem „Triptych 10. Anatomie duše II“.
Umělec Vladimir Nemukhin se narodil v roce 1925 v malé vesnici Priluki, která se nachází v Moskevské oblasti. Zúčastnil se mnoha zahraničních výstav v Evropě. V devadesátých letech žil a působil v Německu, ale v roce 2005 se přestěhoval do Ruska. Jeho tvorbu charakterizuje trojrozměrná kompozice, přítomnost protireliéfu a různých průřezových motivů, například balíček karet.
Umělec s neobvyklé jméno, syn španělského politického emigranta, se narodil v malé vesnici Vasilievka v regionu Samara v roce 1943. Byl organizátorem skupiny umělců „Argo“ a je členem Moskevského svazu umělců. Francisco byl také oceněn státní cenou za úspěchy v této oblasti výtvarné umění. Umělec je aktivní v tvůrčí práci v Rusku i v zahraničí.
Výtvarník Alexander Melamed býval jedním ze členů velmi slavného tvůrčího dua Komarov-Melamed, které se však v roce 2003 rozpadlo, poté začali pracovat samostatně. Bydlištěm od roku 1978 je New York. Většina slavných děl psal spolu s Vitaly Komarem, společně také vytvořili hnutí Sots Art a byli organizátory výstavy buldozerů.
Tento ruský umělec, známý jako jeden ze zakladatelů moskevského konceptualismu, se narodil v Moskvě v roce 1937, kde vystudoval Polygrafický institut. Podle samotného Viktora Pivovarova byla jeho první práce napsána v pěti letech. Je také představitelem „neoficiálního“ umění. Jeho obrazy jsou umístěny v některých z nejznámějších a největších výstavních center: Ruské muzeum, Treťjakovská galerie, Puškinovo muzeum. A. S. Puškin.
Tento umělec se narodil v roce 1934 v Tbilisi. Je jedním z nejjasnějších představitelů monumentální malba. Zurab je známý svou prací v podobě pomníku Petra I., který se nachází v Moskvě, stejně jako pomník umístěný před budovou OSN v New Yorku. Zurab je prezidentem Ruské umělecké akademie, která provozuje vlastní muzeum-galerii. Výtvory tohoto umělce jsou známé nejen Rusku, ale po celém světě.
Ruský umělec Oscar Rabin je známý tím, že v roce 1974 organizoval výstavu Bulldoor Exhibition ao čtyři roky později byl zbaven sovětského občanství. Stal se také populární jako jeden z prvních umělců, kteří se zapojili do soukromého prodeje obrazů v Sovětském svazu. V současné době je jeho trvalým bydlištěm a pracovištěm Paříž. Jeho obrazy jsou ve velkých muzeích a výstavních centrech: Moskevské muzeum soudobé umění, Treťjakovská galerie, Ruské muzeum a další.
Ruský umělec Oleg Tselkov je známý jako umělec, který zahájil hlavní tvůrčí hnutí v šedesátých letech 20. století a ve svých obrazech vykazoval velmi drsné a ostré rysy, včetně zobrazení lidí, kteří vypadají jako hliněné postavy. Od roku 1977 Oleg pokračuje kreativní cesta v Paříži. Jeho obrazy jsou umístěny v následujících výstavních centrech: Ruské muzeum, Treťjakovská galerie, Ermitáž. Jeden z slavné obrazy je „Chlapec s balónky“, napsaný v roce 1954.
Ruský umělec Grigory Bruskin neboli Grisha, narozený v Moskvě v roce 1934, je od roku 1969 jedním z členů Unie umělců. Největší slávu získal díky hlavní aukce Sotheby's, kde prodal své dílo s názvem „Základní lexikon“ za nejvyšší cenu, která se stala rekordem. V současné době žije a pracuje v New Yorku a Moskvě, proto je také nazýván americkým umělcem.
Tento ruský umělec se vyznačuje tím, že realistické věci zobrazuje s extrémní přesností. Jeho skutečná tvůrčí činnost začala v roce 1985, kdy vystavoval v Malaya Gruzinskaya, získal pozornost a uznání sběratelů z New Yorku. Od té doby byla jeho díla vystavena v mnoha evropských zemích a nacházejí se na výstavních centrech v Americe, Německu a Polsku. Nyní žije a vede tvůrčí činnost v Moskvě.
Tento duet, bohužel, existoval až do roku 2003, ale měl obrovský úspěch. Dva ruští umělci se proslavili díky vytvoření takového hnutí jako Sots Art, které je odnoží neoficiálního umění. Šlo o jakousi reakci na vznik pop-artu na Západě. Plátna s díly těchto umělců jsou ve velkých muzeích, včetně Louvru.
Ruský umělec je známý tím, že ve své tvorbě dokáže kombinovat malbu i text, později se tomu začalo říkat sociální umění. Během sovětského období byl populární jako ilustrátor dětských knih. Nějakou dobu žil v New Yorku, pak v Paříži. Byl prvním umělcem, který měl výstavu v Centru Pompidou. Jeho kreativní díla jsou v Treťjakovské galerii, Ruském muzeu a Pompidouově centru.
Tento talentovaný ruský umělec, spolupracující se svou ženou Emilií, lze považovat za hlavního umělce země, zakladatele moskevského konceptualismu. Narodil se v Dněpropetrovsku v roce 1933, ale od roku 1988 je jeho bydlištěm New York. Jeho díla jsou k vidění v Ermitáži, Treťjakovské galerii a Ruském muzeu. Ilja obdržel cenu japonského císaře a jeho dvě díla nazvaná „Brouk“ a „Luxusní pokoj“ jsou nejdražší obrazy.
Od 8. června do 31. července se v Moskvě koná VI. mezinárodní bienále mladého umění. Svá díla představilo více než 50 umělců z celého světa do 35 let. Ale současných umělců Nejsou jen vystaveny v galeriích nebo muzeích – často se jejich díla dají koupit. To nemusí být nutně drahé: popularizace současného umění zahájila proces demokratizace cen, což vedlo k tomu, že někteří obyvatelé města začali započítávat náklady na obrazy do svých rozpočtů na renovaci. Zájem o umění střední třídy nemohly ignorovat ani aukční domy a umělecké veletrhy, které začaly vystavovat díla mladých umělců. The Village požádala novinářku a spolumajitelku galerie Oily Oil Ekaterinu Polozhentseva, aby vybrala díla současných ruských umělců, která jsou dostupná jak přístupem, tak cenou.
Jekatěrina Položencevová
Timofey Radya
Jekatěrinburský umělec Tim Radya ve svých dílech kombinuje filozofii a street art. Tim, vystudovaný filozof a povahou opravdový umělec, myšlenku budoucí práce pěstuje již dlouhou dobu a poté ji realizuje v městském prostoru s pomocí své malé armády přátel a kolegů. Fráze, které se staly memy: „Objal bych tě, ale jsem jen text“, „Čím více světla, tím méně vidíš“ nebo „Kdo jsme, odkud jsme, kam jdeme?“ se dočasně stanou součástí městského prostředí, ale zůstanou na Radiových fotografiích navždy. Prodává je v galeriích.
Timofey Radya. Pryč se smrtí. 2013. Tisk fotografií na matný papír. 60 x 80. Náklad 15/24. Cena - 44 000 rublů. Koupit - galerie Artwin
Alexej Dubinský
Dubinsky se narodil v Grozném v roce 1985 a klasické vzdělání získal na Ruské akademii malířství, sochařství a architektury Ilji Glazunova. Alexey pracuje na způsob abstraktního expresionismu, za nímž je vždy obraz nějakého hrdiny - samotného Alexeje, jeho přátel nebo „celkem šťastné rodiny“. Na jaře 2018 měl Dubinský velkou osobní výstavu v galerii Triumph kurátorky Sofie Simakové, po níž mělo Alexejovo vystoupení na tomto seznamu velký úspěch: Dubinského velká (metr po metru) díla už dávno přesáhla kategorii cen které je slušné zmínit nahlas. Grafiky z minulých let jsou ale stále k dispozici ke koupi, aniž by to zruinovalo váš osobní nebo rodinný rozpočet.
Kirill Who
Pokud vidíte oči vyříznuté na transparentech v ulicích Moskvy, vězte, že je vyrobil jeden člověk, který opravdu miluje procházky - Kirill Lebedev. Druhou ochrannou známkou Who jsou fráze psané hůlkovým písmem. Často se stává, že každé písmeno je nakresleno jinou barvou. Koho je těžké splést s někým jiným. Před několika lety majitelky galerií Elvira Tarnogradskaya a Nadezhda Stepanova požádaly Kirilla, aby přenesl několik děl na plátno: úspěch nápadu byl zřejmý. Ceny za Who rostou rychleji, než se jeho nové oči objeví ve městě. Ale je tu i možnost pro ty, kteří počítají své peníze - sítotisk podepsaný autorem a vyrobený v limitované edici.
Julia Iosilzonová
Yosilzon se narodil v Moskvě v roce 1992. Nyní žije Julia v Londýně, kde získává bakalářský titul na Slade School of Art na Fakultě výtvarných umění. Nepřetržitý pobyt ve studentské umělecké dílně jí nezabránil v pořádání osobní výstavy v moskevské galerii "Triumf". Expresivní díla dělá většinou na hedvábí nataženém přes nosítka. Mezi hrdiny děl jsou rozpoznatelní vlk a zajíc ze sovětského „No, počkej! Iosilzon už bude muset šetřit několik platů na malování, ale grafiku lze stále koupit za málo peněz.
Anton Totibadze
Anton Totibadze je synem umělce Konstantina Totibadzeho a synovcem umělce Georgyho Totibadzeho. Anton pokračuje v nevyřčeném rodinná tradice- malování zátiší a každodenních krajin, často inspirované grilováním na vlastním dvoře. Petrohradské ruské muzeum již jedno z těchto děl Antona Totibadzeho zařadilo do své sbírky. Na 25letého umělce to není špatné.
Anton Totibadze. Dočasné nepohodlí. 2017. Plátno, tempera. 15 x 19. Cena - 25 000 rublů. Koupit - OilyOil.com
Aleš Nomád
Anna Asyamova se narodila v Kazachstánu, vystudovala Kemerovskou univerzitu umění. Její ranou tvorbou jsou asketické portréty, při malování, které nemíchala s barvami. Později se Aleš začal zajímat o malbu a začal malovat portréty ve stylu starých mistrů a přetvářet je do batohů nebo plyšových hraček pomocí zipů, aby byla díla multifunkční. V této fázi si jí všiml Vladimír Dubossarsky a navrhl udělat společnou výstavu. Jeden z nejdražších žijících ruských umělců samozřejmě ovlivnil náklady na nová díla Aleše. Ale raná díla lze i dnes koupit až za 22 tisíc rublů.
Aleš Nomád. Svatba. 2013. Karton, akryl, fixy. 70 x 100. Cena - 22 000 RUBLIN. Koupit - OilyOil.com
Valery Chtak
Valery Chtak je umělec s dlouhou výstavní historií a rozpoznatelným stylem. Jeho tvorba je vždy jednobarevná černá, bílá a šedá paleta s textem. V jeho obrazech je málo malby a mnoho jednoduchých obrazů jako ze stěny nedaleké podzemní chodby. Chtak, vystudovaný knihovník, hodně pracuje se slovem: „Všichni mrtví jsou stejně mrtví“, „Miluji se bavit, nenávidět a mstít se“ nebo „Když je v Moskvě půlnoc, v Murmansku je také půlnoc“ - umělcova texty, které se dnes také vyplatí koupit.
Dmitrij Aske
Dmitry Aske je dalším umělcem, který se přestěhoval z ulice do uměleckého studia. Velkou část dnešní Askeovy práce tvoří skládané dřevěné panely, řezané a malované ručně, které umělec sestavuje do panelů. Mezi Dimovými rozpočtovými pracemi dnes stojí za pozornost jeho ručně malovaný sítotisk akrylové barvy. Asukovy otisky jsou podepsané a očíslované.
Dmitrij Aske. Buddha. Sítotisk, akryl, bavlněný papír. 50 x 50. Cena - 16 000 RUBLIN. Koupit - format1.net
Fotky: obálka, 15–21 - Oily Oil, 1 - Artwin, 2 - Timofey Radya, 3–7, 12–14 - Ukázka, 8, 25, 26 - online galerie “Problémy bílých stěn”, 9–11, 22–24 – Galerijní trojúhelník, 27 – „Format One“
Žebříček nejdražších děl žijících umělců je konstrukcí, která vypovídá mnohem méně o roli a místě umělce v dějinách umění než o věku a zdraví.
Pravidla pro sestavení našeho hodnocení jsou jednoduchá: za prvé se berou v úvahu pouze transakce s díly žijících autorů; zadruhé, berou se v úvahu pouze veřejné dražby; a za třetí je dodržováno pravidlo „jeden umělec - jedno dílo“ (pokud v žebříčku děl patří dva záznamy Jonesovi, zůstává pouze ten nejdražší a zbytek se nebere v úvahu). Hodnocení se provádí v dolarech (podle směnného kurzu v den prodeje).
1. JEFF KOONS Králík. 1986. 91,075 milionů dolarů
Čím déle sledujete aukční kariéru Jeffa Koonse (1955), tím více jste přesvědčeni, že pro pop art není nic nemožné. Koonsovy sochy můžete obdivovat v podobě balónových hraček, nebo je můžete považovat za kýč a nevkus – vaše právo. Jedno se nedá upřít: instalace Jeffa Koonse stojí šílené peníze.
Jeff Koons začal svou cestu ke slávě jako nejúspěšnější žijící umělec již v roce 2007, kdy byla jeho obří kovová instalace „Hanging Heart“ zakoupena za 23,6 milionu dolarů v Sotheby's The work koupila galerie Larryho Gagosiana, která zastupuje tisk napsal, že v zájmu ukrajinského miliardáře Victora Pinčuka pořídila galerie nejen instalaci, ale ve skutečnosti dílo šperkařského umění, ačkoli dílo nebylo vyrobeno ze zlata (materiálem byla nerezová ocel) a bylo rozměrově zřetelně větší než obyčejný přívěsek (socha byla vysoká 2,7 m váží 1 600 kg), ale má podobný účel Na výrobě kompozice se srdcem potaženým desítkou bylo vynaloženo více než šest a půl tisíce hodin V důsledku toho bylo za velkolepou „dekoraci“ zaplaceno obrovské množství peněz.
Další byl prodej „Balloon Flower“ ve fialové barvě za 12,92 milionu GBP (25,8 milionu USD) v aukci Christie’s London 30. června 2008. Zajímavé je, že o sedm let dříve předchozí majitelé „Flower“ koupili dílo za 1,1 milionu dolarů. Je snadné spočítat, že během této doby jeho tržní cena vzrostla téměř 25krát.
Pokles na trhu s uměním v letech 2008–2009 dal skeptikům důvod si stěžovat, že Koonsova móda pominula. Ale mýlili se: spolu s trhem s uměním byl oživen zájem o Koonsova díla. Nástupce Andyho Warhola v roli krále pop-artu aktualizoval svůj osobní rekord v listopadu 2012 prodejem pestrobarevné sochy „Tulipány“ ze série „Celebration“ v Christie's za 33,7 milionu dolarů včetně provize.
Ale „tulipány“ byly „květiny“ v doslovném i přeneseném smyslu. Jen o rok později, v listopadu 2013, následoval prodej nerezové sochy „Balloon Dog (Orange)“: cena kladívka byla až 58,4 milionu dolarů! Na žijícího umělce pohádková suma. Dílo současného autora bylo prodáno za cenu obrazu Van Gogha nebo Picassa. To už byly bobule...
S tímto výsledkem Koons kraloval několik let na vrcholu žebříčku žijících umělců. V listopadu 2018 ho nakrátko překonal David Hockney (viz druhé místo v našem žebříčku). Ale o pouhých šest měsíců později se vše vrátilo do starých kolejí: 15. května 2019 byla v New Yorku na aukci poválečného a současného umění v Christie's dána do prodeje učebnicová socha pro Koons z roku 1986 – stříbrná „ Rabbit“ z nerezové oceli, imitující balónek podobného tvaru.
Celkem Koons vytvořil 3 takové vtipy plus jednu originální kopii. V aukci byl exemplář „Králíka“ číslo 2 - ze sbírky kultovního vydavatele Cy Newhouse, spolumajitele vydavatelství Conde Nast (časopisy Vogue, Vanity Fair, Glamour, GQ atd.). Stříbrného „Králíka“ koupil „otec půvabu“ Cy Newhouse v roce 1992 za působivou částku na poměry těch let – 1 milion dolarů. Po 27 letech v boji 10 zájemců byla kladívková cena sochy 80násobkem předchozí prodejní ceny. A když vezmeme v úvahu provizi kupujícího Premium, konečný výsledek byl 91,075 milionu dolarů, což je rekord pro všechny žijící umělce.
2. DAVID HOCKNEY Portrét umělce. Bazén se dvěma postavami. 1972. 90 312 500 $
David Hockney (1937) je jedním z nejvýznamnějších britských umělců 20. století. V roce 2011 byl podle průzkumu mezi tisíci profesionálních britských umělců a sochařů David Hockney zvolen nejvlivnějším britským umělcem všech dob. Hockney přitom porazil takové mistry jako William Turner a Francis Bacon. Jeho tvorba bývá řazena k pop-artu, i když ve svých raných dílech tíhl spíše k expresionismu v duchu Francise Bacona.
David Hockney se narodil a vyrostl v Anglii, v hrabství Yorkshire. Matka budoucího umělce udržovala rodinu v puritánské přísnosti a jeho otec, prostý účetní, který trochu amatérsky kreslil, povzbuzoval svého syna, aby začal malovat. Ve svých dvaceti letech se David přestěhoval do Kalifornie, kde žil celkem asi tři desetiletí. Má tam ještě dvě dílny. Hockney udělal z hrdinů svých děl místní boháče, jejich vily, bazény a trávníky zalilo kalifornské slunce. Jedno z jeho nejslavnějších děl amerického období - obraz "Splash" - je obrazem snopu šplouchání stoupajícího z bazénu poté, co muž skočil do vody. Na zobrazení tohoto svazku, který „žije“ ne déle než dvě sekundy, pracoval Hockney dva týdny. Mimochodem, tento obraz byl prodán v Sotheby’s v roce 2006 za 5,4 milionu dolarů a nějakou dobu byl považován za jeho nejdražší dílo.
Hockneymu (1937) už je přes osmdesát, ale stále pracuje a dokonce vymýšlí nové umělecké techniky pomocí technických inovací. Kdysi dávno přišel s nápadem dělat obrovské koláže z polaroidů, svá díla tiskl na faxech a dnes umělec nadšeně ovládá kreslení na iPadu. Obrazy nakreslené na tabletu zaujímají na jeho výstavách důstojné místo.
V roce 2005 se Hockney konečně vrátil ze Spojených států do Anglie. Nyní maluje v plenéru a v ateliéru obrovské (často složené z několika částí) krajiny místních lesů a vřesovišť. Podle Hockneyho si během 30 let strávených v Kalifornii natolik nezvykl na prosté střídání ročních období, že ho to skutečně fascinuje a fascinuje. Celé cykly jeho posledních prací se věnují například stejné krajině v různých ročních obdobích.
V roce 2018 ceny za Hockneyho obrazy několikrát překonaly hranici 10 milionů dolarů. A 15. listopadu 2018 zaregistrovala Christie’s nový absolutní rekord za dílo žijícího umělce – 90 312 500 dolarů za obraz „Portrét umělce (Pool se dvěma figurami).
3. GERHARD RICHTER Abstraktní malba. 1986. 46,3 milionů dolarů
Žijící klasika Gerhard Richter (1932) zaujímá druhé místo v našem žebříčku. Německý umělec byl lídrem mezi svými žijícími kolegy, dokud nepřekonal rekord Jeffa Koonse 58 milionů. Ale tato okolnost pravděpodobně neotřese Richterovou již tak železnou autoritou na trhu s uměním. Na konci roku 2012 je roční aukční obrat německého umělce na druhém místě po aukčním obratu Andyho Warhola a Pabla Picassa.
Po mnoho let nic nepředznamenalo úspěch, který Richter potkal nyní. Umělec zastával desítky let skromné místo na trhu současného umění a vůbec neusiloval o slávu. Dá se říct, že ho sláva dohnala sama. Mnozí považují za výchozí bod nákup série děl Richtera „18. října 1977“ newyorským muzeem MoMA v roce 1995. Americké muzeum zaplatilo 3 miliony dolarů za 15 obrazů v šedých tónech a brzy začalo uvažovat o uspořádání plnohodnotné retrospektivy německého umělce. Grandiózní výstava byla otevřena o šest let později, v roce 2001, a od té doby zájem o Richterovo dílo rostl mílovými kroky. Od roku 2004 do roku 2008 se ceny za jeho obrazy ztrojnásobily. V roce 2010 již Richterova díla vynesla 76,9 milionů dolarů, v roce 2011 podle webu Artnet vydělala Richterova díla na aukcích celkem 200 milionů dolarů a v roce 2012 (podle Artprice) - 262,7 milionů dolarů - více než dílo kteréhokoli jiného; žijící umělec.
Zatímco např. drtivý úspěch Jaspera Johnse v aukci provází především jen jeho raná díla, tak ostré dělení není pro Richterova díla typické: stejně stabilní je poptávka po věcech z různých tvůrčích období, kterých bylo v r. Richterova kariéra. Za posledních šedesát let si tento umělec vyzkoušel téměř všechny tradiční malířské žánry – portrét, krajina, námořnictvo, akt, zátiší a samozřejmě abstrakce.
Historie Richterových aukčních desek začala sérií zátiší „Svíčky“. 27 fotorealistických obrázků svíček na počátku 80. let, v době jejich malby, stálo jen 15 tisíc německých marek (5 800 dolarů) za dílo. Ale stále si nikdo nekoupil „Svíčky“ na jejich první výstavě v Galerii Maxe Hetzlera ve Stuttgartu. Tehdy se téma obrazů nazývalo staromódní; dnes jsou „Svíčky“ považovány za dílo všech dob. A stojí miliony dolarů.
V únoru 2008, "Svíčka", napsaný v roce 1983, byl nečekaně koupen za £ 7,97 milionu (16 milionů $). Tento osobní rekord vydržel tři a půl roku. Pak v říjnu 2011 další "Svíčka" (1982)šel pod kladivo v Christie's za £ 10,46 milionu (16,48 milionu $). S touto deskou se Gerhard Richter poprvé zařadil mezi tři nejúspěšnější žijící umělce a zaujal jeho místo za Jasperem Johnsem a Jeffem Koonsem.
Poté začal vítězný pochod Richterových „Abstraktních obrazů“. Umělec maluje taková díla svou unikátní technikou: směs jednoduchých barev nanáší na světlé pozadí a pak je pomocí dlouhé škrabky velikosti nárazníku auta roztírá po plátně. To vytváří složité barevné přechody, skvrny a pruhy. Zkoumání povrchu jeho „Abstraktních obrazů“ je jako vykopávka: mezerami v četných barevných vrstvách jsou na nich vidět stopy různých „postav“.
9. listopadu 2011 na aukci současného a poválečného umění Sotheby’s ve velkém měřítku "Abstraktní malba (849-3)" 1997 šel pod kladivo pro 20,8 milionu $ (13,2 milionu GBP). A o šest měsíců později, 8. května 2012 na aukci poválečného a současného umění v Christie's v New Yorku "Abstraktní malba (798-3)" Rok 1993 byl rekordní 21,8 milionu dolarů(včetně provize). O pět měsíců později - další rekord: "Abstraktní malba (809-4)" ze sbírky rockového hudebníka Erica Claptona 12. října 2012 v Sotheby’s v Londýně šel pod kladivo za £ 21,3 milionu (34,2 milionu $). Bariéru 30 milionů vzal Richter s takovou lehkostí, jako by o ni nešlo moderní malba, ale o mistrovská díla, která jsou již sto let stará - ne méně. I když se v případě Richtera zdá, že k zařazení do panteonu „velkých“ došlo ještě za umělcova života. Ceny za německou práci nadále rostou.
Další Richterova deska patřila fotorealistickému dílu – krajině "Catedral Square, Milan (Domplatz, Mailand)" 1968. Dílo bylo prodáno za 37,1 milionu v aukci Sotheby's 14. května 2013. Pohled na nejkrásnější náměstí namaloval německý umělec v roce 1968 na zakázku společnosti Siemens Electro speciálně pro pobočku společnosti v Miláně. V době svého sepsání šlo o Richterovo největší figurální dílo (o rozměrech téměř tři krát tři metry).
Rekord Cathedral Square vydržel téměř dva roky, až 10. února 2015 nepřerušil ho "Abstraktní malba" ( 1986): Cena kladiva dosahuje £ 30,389 milionu (46,3 milionu $). „Abstraktní obraz“ o rozměrech 300,5 × 250,5 cm, vydražený v Sotheby’s, je jedním z prvních Richterových velkoformátových děl v jeho speciální autorské technice seškrabávání vrstev barvy. Naposledy v roce 1999 byl tento „Abstraktní obraz“ zakoupen v aukci za 607 tisíc dolarů (od letošního roku až do současného prodeje bylo dílo vystaveno v Ludwigově muzeu v Kolíně nad Rýnem). V aukci 10. února 2015 dosáhl americký klient v aukčních krocích 2 miliony liber příklepové ceny 46,3 milionu dolarů, to znamená, že od roku 1999 dílo zdražilo více než 76krát!
4. CUI ZHUZHO „Velké zasněžené hory“. 2013. 39,577 milionu dolarů.
Dlouho jsme pozorně nesledovali vývoj situace na čínském trhu s uměním, protože jsme nechtěli čtenáře zahltit příliš mnoha informacemi o „ne našem“ umění. S výjimkou disidenta Aj Wej-weje, který není ani tak drahý jako zvučný umělec, se nám čínští autoři zdáli příliš početní a vzdálení, než aby se ponořili do toho, co se děje na jejich trhu. Ale statistika, jak se říká, je vážná, a pokud mluvíme o nejúspěšnějších žijících autorech světa, pak se stále neobejdeme bez příběhu o vynikajících představitelích současného umění v Nebeské říši.
Začněme čínským umělcem Cui Ruzhuo. Umělec se narodil v roce 1944 v Pekingu a v letech 1981 až 1996 žil v USA. Po návratu do Číny začal učit na Národní akademii umění. Cui Ruzhuo reinterpretuje tradiční čínský styl malby tuší a vytváří obrovské svitkové malby, které si čínští podnikatelé a úředníci rádi dávají jako dárky. Na Západě se o něm ví jen velmi málo, i když si mnozí musí pamatovat příběh o svitku za 3,7 milionu dolarů, který omylem vyhodili uklízeči v hongkongském hotelu a spletli si ho s odpadky. Takže - byl to svitek Cui Ruzhuo.
Cui Ruzhuo je již přes 70 a trh pro jeho práci vzkvétá. Více než 60 děl tohoto umělce překonalo hranici 1 milionu dolarů, jeho díla však zatím zaznamenala úspěch pouze na čínských aukcích. Záznamy Cui Ruzhuo jsou skutečně působivé. Nejdřív on „Krajina ve sněhu“ na Poly aukci v Hong Kongu 7. dubna 2014 dosáhl příklepové ceny 184 milionů HK$ ( 23,7 milionů USD).
Přesně o rok později 6. dubna 2015, na speciální Poly aukci v Hong Kongu věnované výhradně dílům série Cui Ruzhuo „Velká zasněžená krajina hory Jiangnan“(Jiangnan je historická oblast v Číně, která zabírá pravý břeh dolního toku Yangtze) osmi inkoustů na papírových krajinkách dosáhla kladívkové ceny 236 milionů HK$ ( 30,444 milionů USD).
O rok později se historie znovu opakovala na samostatné aukci Cui Ruzhuo pořádané Poly Auctions v Hong Kongu. 4. dubna 2016šestidílný polyptych "Velké zasněžené hory" 2013 dosáhl příklepové ceny (včetně provize aukční síně) 306 milionů HKD (39,577 milionů USD)). Mezi asijskými žijícími umělci jde zatím o absolutní rekord.
Podle obchodníka s uměním Johnsona Chana, který s čínským současným uměním pracuje již 30 let, existuje bezpodmínečná touha zvýšit ceny za dílo tohoto autora, ale to vše se děje v cenové hladině, kterou zkušení sběratelé pravděpodobně nebudou chtít koupit cokoliv. „Číňané chtějí zvýšit hodnocení svých umělců tím, že zvýší ceny svých děl na velkých mezinárodních aukcích, jako je ta, kterou pořádá Poly v Hong Kongu, ale není pochyb o tom, že tato hodnocení jsou zcela vymyšlená,“ komentuje Johnson Chan Cui. Nejnovější nahrávka Ruzhuo.
Toto je samozřejmě pouze názor jednoho jednotlivého prodejce, ale ve všech databázích máme zaznamenán skutečný záznam. Budeme ho tedy brát v úvahu. Cui Ruzhuo sám, soudě podle svých výroků, má daleko ke skromnosti Gerharda Richtera, pokud jde o jeho aukční úspěchy. Zdá se, že tento závod o rekordy ho vážně fascinuje. „Doufám, že v příštích 5-10 letech ceny mých děl převýší ceny děl západních mistrů, jako jsou Picasso a Van Gogh. To je čínský sen,“ říká Cui Ruzhuo.
5. JASPER JONES Vlajka. 1983. 36 milionů dolarů
Třetí místo v žebříčku žijících umělců patří Američanovi Jasper Johns (1930). Aktuální rekordní cena za Jonesovo dílo je $ 36 milionů. Za jeho slávu zaplatili tolik "Vlajka" na aukci Christie's 12. listopadu 2014.
Série „vlajkových“ obrazů, kterou Jones započal v polovině 50. let, bezprostředně po návratu umělce z armády, se stala jednou z ústředních v jeho tvorbě. Již v mládí se umělec začal zajímat o myšlenku readymade, přeměny každodenního předmětu v umělecké dílo. Jonesovy vlajky však nebyly pravé, byly namalovány olejem na plátno. Umělecké dílo tak získalo vlastnosti věci z běžného života bylo zároveň obrazem vlajky i vlajky samotné. Série děl s vlajkami přinesla Jaspera Johnse světová sláva. Neméně populární jsou ale jeho abstraktní díla. V čele žebříčku nejdražších děl, sestavovaném podle výše uvedených pravidel, byl dlouhá léta jeho abstrakt "Chybný start". Až do roku 2007 bylo toto velmi světlé a dekorativní plátno, namalované Jonesem v roce 1959, považováno za cenu téměř nedostupnou pro žijícího umělce (dokonce i celoživotního klasika) - $ 17 milionů. Tolik za to zaplatili ve zlatě pro trh s uměním 1988.
Zajímavé je, že funkční období Jaspera Johnse jako držitele rekordu nebylo nepřetržité. V roce 1989 byl přerušen prací jeho kolegy Willema de Kooninga: dvoumetrová abstrakce „Blending“ byla prodána v Sotheby's za 20,7 milionu dolarů, ale o 8 let později, v roce 1997, de Kooning zemřel. a “ False Start by Jones opět obsadil první místo v aukčním žebříčku žijících umělců téměř 10 let.
Ale v roce 2007 se vše změnilo. Rekord False Start byl poprvé zastíněn díly mladých a ambiciózních Damiena Hirsta a Jeffa Koonse. Poté došlo k rekordnímu prodeji za 33,6 milionu dolarů obrazu „The Sleeping Benefits Inspector“ od Luciena Freuda (nyní zesnulého, a proto se nepodílí na tomto hodnocení). Pak začaly záznamy Gerharda Richtera. Obecně je zatím s aktuálním rekordem 36 milionů Jasper Johns, jeden z mistrů amerického poválečného umění, působící na pomezí neodadaismu, abstraktního expresionismu a pop-artu, na čestném třetím místě.
6. ED RUSHEY Rozbít. 1963. 30,4 milionů dolarů
Náhlý úspěch obrazu „Smash“ od amerického umělce Edward Rushay (nar. 1937) v aukci Christie's 12. listopadu 2014 přivedl tohoto autora do řady nejdražších žijících umělců. Předchozí rekordní cena za dílo Eda Rushy (příjmení Ruscha se v ruštině často vyslovuje jako „Rusha“, ale správná výslovnost je Rusha) byla „jen“ 6,98 milionu dolarů: tolik bylo zaplaceno za jeho plátno „The Burning Gas“. stanice“ v roce 2007. O sedm let později "Rozbít" s odhadem 15–20 milionů dolarů dosáhlo kladívkové ceny 30,4 milionu dolarů. Je zřejmé, že trh s díly tohoto autora dosáhl nové úrovně – ne nadarmo Barack Obama svými díly zdobí Bílý dům a ve svých galeriích ho vystavuje sám Larry Gagosian.
Ed Ruscha nikdy netáhl k poválečnému New Yorku s jeho vášní pro abstraktní expresionismus. Místo toho více než 40 let hledal inspiraci v Kalifornii, kam se ve věku 18 let přestěhoval z Nebrasky. Umělec stál u zrodu nového hnutí v umění, zvaného pop art. Spolu s Warholem, Lichtensteinem, Waynem Thiebaudem a dalšími zpěváky populární kultura Edward Rusha se v roce 1962 zúčastnil výstavy „New Images of Ordinary Things“ v Museu Pasadena, která se stala první muzejní výstavou amerického pop-artu. Samotnému Edu Rushovi se však nelíbí, když je jeho dílo řazeno mezi pop art, konceptualismus nebo nějaké jiné hnutí v umění.
Jeho jedinečný styl se nazývá „text painting“. Počínaje koncem 50. let začal Ed Ruscha malovat slova. Stejně jako pro Warhola se plechovka polévky stala uměleckým dílem, pro Eda Rushaye to byla obyčejná slova a fráze, převzaté buď z billboardu nebo obalu v supermarketu, nebo z titulků filmu (Hollywood byl vždy „blízko“ např. Rushay a na rozdíl od mnoha jiných umělců, Rusche respektoval „továrnu snů“). Slova na jeho plátnech získávají vlastnosti trojrozměrných předmětů, jedná se o skutečná zátiší slov. Při pohledu na jeho plátna nás jako první napadne vizuální a zvukový vjem malovaného slova a teprve potom významový význam. To druhé zpravidla nelze jednoznačně dešifrovat; Rushayův výběr slov a frází lze interpretovat různými způsoby. Stejné jasně žluté slovo „Smash“ na tmavě modrém pozadí může být vnímáno jako agresivní výzva k rozbití něčeho nebo někoho na kusy; jako osamělé přídavné jméno vytržené z kontextu (například část nějakého novinového titulku), nebo prostě jako samostatné slovo, zachycený v městském toku vizuálních obrazů. Ed Ruscha si tuto nejistotu užívá. "Vždy jsem měl hluboký respekt k podivným, nevysvětlitelným věcem... Vysvětlení v jistém smyslu tu věc zabíjí," řekl v rozhovoru.
7. CHRISTOPHER WOOL Bez názvu (RIOT). 1990. 29,93 milionů dolarů
americký umělec Christopher Wool(1955) poprvé pronikl do žebříčku žijících umělců v roce 2013 - poté, co prodal dílo „Apocalypse Now“ za 26,5 milionu dolarů, tato nahrávka ho okamžitě postavila na úroveň Jaspera Johnse a Gerharda Richtera. Výše této historické transakce – více než 20 milionů dolarů – mnohé překvapila, protože před ní ceny za umělcova díla nepřesáhly 8 milionů dolarů. Rychlý růst trhu s díly Christophera Woola byl však již v té době patrný: umělcova rekordní výsledky zahrnovaly 48 aukčních transakcí za částky přesahující 1 milion USD a 22 z nich (téměř polovina) se uskutečnilo v roce 2013. O dva roky později dosáhl počet prodaných děl Chrise Woola za více než 1 milion dolarů čísla 70 a nový osobní rekord na sebe nenechal dlouho čekat. Na aukci Práce Sotheby’s z 12. května 2015 „Bez názvu (RIOT)“ byl prodán za $ 29,93 milionu včetně prémie kupujícího.
Christopher Wool je známý především svými velkoplošnými díly černého písma na bílých hliníkových plechách. Jsou to ti, kteří zpravidla dávají rekordy na aukcích. To všechno jsou věci z konce 80. – začátku 90. let. Jak praví legenda, jednoho dne se Wool procházel večer po New Yorku a najednou uviděl graffiti černými písmeny na novém bílém náklaďáku – slova sex a luv. Tento pohled na něj zapůsobil natolik, že se okamžitě vrátil do dílny a se stejnými slovy napsal vlastní verzi. Psal se rok 1987 a další umělcovo hledání slov a frází pro svá „dopisná“ díla odráží rozporuplného ducha této doby. Toto je slogan „prodejte dům, prodejte auto, prodejte děti“, převzatý Woolem z filmu „Apocalypse Now“ a slovo „FOOL“ („blázen“) velkými písmeny a slovo „RIOT“ („vzpoura“), často se vyskytující v novinových titulcích té doby.
Vlna aplikovala slova a fráze na hliníkové plechy pomocí šablon s alkydovými nebo emailovými barvami, záměrně zanechávající kapky, šablonové značky a další důkazy o tvůrčím procesu. Umělec rozdělil slova tak, že divák hned nepochopil význam. Nejprve vidíte pouze shluk písmen, to znamená, že slovo vnímáte jako vizuální objekt, a teprve potom čtete a dešifrujete význam fráze nebo slova. Vlna použila font, který používala americká armáda po 2. světové válce, což umocňuje dojem rozkazu, směrnice, sloganu. Tato „dopisná“ díla jsou vnímána jako součást městské krajiny, jako nelegální graffiti, která narušují čistotu povrchu nějakého uličního objektu. Tato série děl Christophera Woola je uznávána jako jeden z vrcholů jazykové abstrakce, a proto je tak vysoce ceněna milovníky současného umění.
8. PETER DOIG Rosedale. 1991. 28,81 milionů dolarů
britský Peter Doig(1959), přestože patří ke generaci postmodernistů Koons a Hirst, zvolil si pro sebe zcela tradiční krajinářský žánr, na dlouhou dobu který nebyl nakloněn předním umělcům. Peter Doig svým dílem oživuje uvadající zájem veřejnosti o figurativní malbu. Jeho díla jsou vysoce oceňována jak kritiky, tak laiky, o čemž svědčí rychlý růst cen jeho děl. Jestliže na začátku 90. let jeho krajiny stály několik tisíc dolarů, nyní stojí miliony.
Doigovo dílo je často nazýváno magickým realismem. Na základě skutečných krajin vytváří fantazijní, tajemné a často ponuré obrazy. Umělec rád zobrazuje objekty opuštěné lidmi: zchátralou budovu postavenou Le Corbusierem uprostřed lesa nebo prázdnou bílou kánoi na hladině lesního jezera. Kromě přírody a fantazie se Doig inspiruje horory, starými pohlednicemi, fotografiemi, amatérskými videi atd. Doigovy obrazy jsou barevné, složité, dekorativní a neprovokativní. Je radost vlastnit takový obraz. Zájem sběratelů podporuje i autorova nízká produktivita: umělec žijící na Trinidadu nevytvoří více než tucet obrazů ročně.
Na počátku 21. století se jednotlivé krajiny umělce prodávaly za několik set tisíc dolarů. Ve stejné době byla Doigova díla zařazena do galerie Saatchi, na bienále Whitney Museum a do sbírky MoMA. V roce 2006 byla překonána aukce 1 milion dolarů a následující rok nastal nečekaný průlom: dílo „Bílá kánoe“ nabízené v Sotheby's 7. února 2007 s odhadem 0,8–1,2 milionu dolarů bylo pětkrát vyšší. než předběžný odhad a byl prodán za 5,7 milionu liber (11,3 milionu dolarů). V té době to byla rekordní cena za díla žijícího evropského umělce.
V roce 2008 měl Doig samostatné výstavy v Tate Gallery a Muzeu moderního umění v Paříži. Mnohomilionové cenovky za Doigovu práci se staly normou. Osobní rekord Petera Doiga se v poslední době začal několikrát ročně aktualizovat - máme čas jen změnit obrázek a místo tohoto umělce v našem žebříčku žijících autorů.
K dnešnímu dni je nejdražším dílem Petera Doiga zasněžená krajina „Rosedale“ z roku 1991. Zajímavé je, že rekord nevznikl v Sotheby’s nebo Christie’s, ale na aukci současného umění v aukční síni Phillips. Stalo se tak 18. května 2017. Pohled na zasněženou torontskou čtvrť Rosedale prodán kupujícímu telefonu za 28,81 milionu dolarů, což je asi o 3 miliony více než předchozí rekord (25,9 milionu za „Swallowed by the Mire“). "Rosedale" se v roce 1998 zúčastnil Doigovy klíčové výstavy v Whitechapel Gallery v Londýně a obecně bylo toto dílo čerstvé pro trh, a proto je rekordní cena zasloužená.
9. FRANK STELLA Cape of Pines. 1959. 28 milionů dolarů
Frank Stella je významným představitelem post-malířské abstrakce a minimalismu v umění. V určité fázi je řazen k představitelům stylu malby hard edge. Stella nejprve stavěl do kontrastu přísnou geometrii, asketickou monochromii a strukturu svých obrazů se spontánností a chaosem maleb abstraktních expresionistů, jako byl Jackson Pollock.
Koncem 50. let si umělce všiml slavný galerista Leo Castelli a byl poprvé oceněn výstavou. Na něm představil tzv. „Černé obrazy“ - plátna přemalovaná paralelními černými linkami s tenkými mezerami nenabarveného plátna mezi nimi. Linie tvoří geometrické tvary, poněkud připomínající optický klam, ty samé obrázky, které blikají, pohybují se, kroutí a vytvářejí pocit hlubokého vesmíru, když se na ně díváte dlouhou dobu. Stella ve svých dílech na hliníku a mědi navázal na téma paralelních linií s tenkými dělícími pruhy. Měnila se barevnost, obrazový základ a dokonce i tvar maleb (vynikají mimo jiné práce ve tvaru písmen U, T, L). Ale hlavním principem jeho malby byla stále jasnost obrysu, monumentalita, jednoduchá forma a monochromie. V následujících desetiletích se Stella od této geometrické malby odklonila k hladkým, přirozeným formám a liniím a od monochromatických obrazů k jasným a pestrým barevným přechodům. V 70. letech Stella uchvátily obrovské vzory, kterými se malovaly lodě. Umělec je použil na obrovské obrazy s asamblážními prvky - do děl zahrnul kusy ocelových trubek nebo drátěného pletiva.
Frank Stella ve svých raných rozhovorech otevřeně diskutuje o významech vkládaných do jeho děl, nebo spíše o jejich nedostatku: „Co vidíte, je to, co vidíte.“ Obraz je objekt sám o sobě, nikoli reprodukce něčeho. "Je to plochý povrch s barvou a ničím jiným," řekla Stella.
Tento "povrch s barvou" podepsaný Frankem Stellou by dnes mohl mít hodnotu milionů dolarů. Frank Stella poprvé vstoupil do žebříčku žijících umělců v roce 2015 prodejem díla „Crossing the Delaware“ (1961) za 13,69 milionu dolarů včetně provize.
O čtyři roky později, 15. května 2019, byl vytvořen nový rekord raným dílem (1959) „Cape of Pines“: kladívková cena byla přes 28 milionů dolarů včetně provize. Toto je jeden z 29 „černých obrazů“ - stejných, se kterými Stella debutovala na své první výstavě v New Yorku. Absolventovi Princetonské univerzity Franku Stellovi bylo v té době 23 let. Často neměl dost peněz na olejové barvy pro umělce. Mladý umělec si vydělával opravami, velmi se mu líbily čisté barvy malby a pak vznikl nápad pracovat s touto barvou na plátně. Pomocí černé emailové barvy Stella maluje rovnoběžné pruhy a mezi nimi zanechává tenké čáry nenatřeného plátna. Navíc píše bez pravítek, od oka, bez předběžného náčrtu. Stella nikdy přesně nevěděla, kolik černých čar bude na konkrétní malbě. Například na obraze „Cape of Pines“ jich bylo 35 Název díla odkazuje na název mysu v zátoce Massachusetts – Point of pines. Na začátku dvacátého století to byl velký zábavní park a dnes je to jedna z oblastí města Revere.
10. YOSHITOMO NARA Nůž za zády. 2000. 24,95 milionů dolarů
Yoshitomo Nara (1959) je jednou z klíčových postav japonského neo-popu. Japonec – protože i přes celosvětovou slávu a mnohaletou práci v zahraničí se jeho tvorba stále vyznačuje výraznou národní identitou. Nařinými oblíbenými postavami jsou dívky a psi ve stylu japonské mangy a anime komiksů. Obrázky, které vymyslel, „jdou k lidem“ už mnoho let: tisknou se na trička, vyrábí se s nimi suvenýry a různé „merch“. Narodil se v chudé rodině, daleko od hlavního města, je nejen milován pro svůj talent, ale také ceněn jako samorostlý muž. Umělec pracuje rychle a expresivně. Je známo, že některá jeho mistrovská díla byla dokončena doslova přes noc. Obrazy a sochy Yoshitomo Nara jsou obvykle velmi lakonické, ne-li lakonické. vyjadřovací prostředky, ale vždy v sobě nesou silný emocionální náboj. Nařiny dospívající dívky se na diváka často dívají s nevlídným mžouráním. V jejich očích je odvaha, výzva a agrese. V rukou - buď nůž, nebo cigareta. Existuje názor, že zobrazené perverze chování jsou reakcí na tísnivou společenskou morálku, různá tabu a principy výchovy převzaté Japonci. Téměř středověká tvrdost a stud tlačí problémy dovnitř a vytváří půdu pro opožděnou emocionální explozi. „The Knife Behind Your Back“ stručně odráží jednu z hlavních myšlenek umělce. V tomto díle je dívčin nenávistný pohled a výhrůžně položená ruka za jejími zády. Do roku 2019 již obrazy a sochy Yoshitomo Nara dosáhly milionové hranice, nebo dokonce několika milionů, více než jednou. Ale dvacet milionů je poprvé. Nara je jedním z nejslavnějších světových umělců narozených v Japonsku. A teď ten nejdražší naživu. 6. října 2109 v Sotheby’s v Hong Kongu převzal tento titul od Takashi Murakamiho a znatelně porazil 90letou avantgardní umělkyni Yayoi Kusama (maximální aukční ceny jejích obrazů se již blíží 9 milionům dolarů).
11. ZENG FANZHI Poslední večeře. 2001. 23,3 milionů dolarů
Na aukci Sotheby's v Hong Kongu 5. října 2013 ročník velkoplošné plátno "Poslední večeře" pekingský umělec Zeng Fanzhi (1964) byl prodán za rekordní částku 160 milionů HK $ - 23,3 milionu dolarů USA. Konečné náklady na Fanzhiho dílo, napsané samozřejmě pod vlivem práce Leonarda da Vinciho, se ukázaly být dvakrát vyšší než předběžný odhad asi 10 milionů dolarů. Předchozí cenový rekord Zeng Fanzhi byl $ 9,6 milionu, zaplatil na aukci Christie’s Hong Kong v květnu 2008 za dílo „Série masek. 1996. No. 6".
„Poslední večeře“ je největší (2,2 × 4 metry) obraz od Fanzhiho ze série „Masky“, pokrývající období od roku 1994 do roku 2001. Cyklus je věnován vývoji čínské společnosti pod vlivem ekonomických reforem. Zavedení prvků tržní ekonomiky vládou ČLR vedlo k urbanizaci a nejednotnosti čínského lidu. Fanzhi zobrazuje obyvatele moderních čínských měst, kteří musí bojovat o místo na slunci. Známá kompozice Leonardovy fresky ve Fanzhiově čtení dostává zcela jiný význam: dějiště je přeneseno z Jeruzaléma do učebny v čínské škole s typickými hieroglyfovými tabulemi na stěnách. „Kristus“ a „apoštolové“ se proměnili v průkopníky s šarlatovými kravatami a zlatou kravatu nosí pouze „Jidáš“ – to je metafora pro západní kapitalismus pronikající a ničící obvyklý způsob života v socialistické zemi.
Díla Zeng Fanzhi jsou stylově blízká evropskému expresionismu a stejně dramatická. Ale zároveň jsou plné čínské symboliky a specifičnosti. Tato všestrannost přitahuje k umělcovu dílu jak čínské, tak západní sběratele. Přímým potvrzením toho je původ „Poslední večeře“: dílo dal do aukce slavný sběratel čínské avantgardy 80. a počátku 90. let, belgický baron Guy Ullens.
12. ROBERT RYMAN Most. 1980. 20,6 milionů dolarů
Na aukci Christie's 13. května 2015 abstraktní práce "Most" 85letý americký umělec Robert Ryman(Robert Ryman) byl prodán za 20,6 milionu dolarů s přihlédnutím k provizi - dvakrát dražší než nižší odhad.
Robert Ryman(1930) si hned neuvědomil, že se chce stát umělcem. Ve 23 letech se přestěhoval do New Yorku z Nashvillu v Tennessee, kde se chtěl stát jazzovým saxofonistou. Dokud se nestal slavným hudebníkem, musel pracovat jako hlídač v MoMA, kde se seznámil se Sol LeWitt a Danem Flavinem. První pracoval v muzeu jako noční sekretář a druhý jako hlídač a obsluha výtahu. Robert Ryman, pod dojmem děl abstraktních expresionistů, které viděl v MoMA – Rothka, De Kooninga, Pollocka a Newmana – začal sám malovat v roce 1955.
Ryman je často považován za minimalistu, ale raději je nazýván „realistou“, protože ho nezajímá vytvářet iluze, pouze demonstruje kvality materiálů, které používá. Většina jeho děl je malována barvami všech možných odstínů bílé (od šedavé či nažloutlé až po oslnivě bílou) vycházející z lakonického čtvercového tvaru. Robert Ryman během své kariéry vyzkoušel mnoho materiálů a technik: maloval olejem, akrylem, kaseinem, emailem, pastelem, kvašem aj. na plátno, ocel, plexisklo, hliník, papír, vlnitou lepenku, vinyl, tapety atd. Jeho přítel, profesionální restaurátor Orrin Riley mu poradil s korozivností materiálů, které ho napadlo použít. Jak umělec jednou řekl: „Nikdy nemám otázku Co pište, hlavní je Jak napsat". Je to všechno o textuře, povaze tahů, hranici mezi povrchem barvy a hranami základny a také o vztahu mezi dílem a stěnou. Od roku 1975 jsou zvláštním prvkem jeho práce montáže, které si Ryman navrhuje sám a záměrně je nechává viditelné, přičemž zdůrazňuje, že jeho dílo je „stejně skutečné jako stěny, na kterých visí“. Ryman dává svým dílům raději „jména“ než „názvy“. „Jméno“ pomáhá odlišit jedno dílo od druhého a Ryman svá díla často pojmenovává značkami barev, společnostmi atd. umělec pravidelně popírá. Na ničem kromě materiálu a techniky nezáleží.
13. DAMIEN HURST Ospalé jaro. 2002. 19,2 milionů dolarů
Anglickému umělci Damien Hirst (1965) bylo předurčeno jako první v tomto hodnocení obsadit první místo ve sporu s žijícím klasikem Jasperem Johnsem. Již zmíněné dílo „False Start“ mohlo zůstat dlouho nepotopitelným lídrem, kdyby 21. června 2007 instalaci tehdy dvaačtyřicetiletého Hirsta "Ospalé jaro"(2002) nebyl prodán v Sotheby's za £ 9,76 milionu, tedy za 19,2 milionu dolarů. Dílo má mimochodem dost neobvyklý formát. Na jedné straně je vitrína s atrapami pilulek (6 136 pilulek), v podstatě klasická instalace. Na druhou stranu je tato vitrína vyrobena naplocho (hloubka 10 cm), umístěna v rámu a zavěšena na stěně jako plazmový panel, čímž je plně zajištěn komfort vlastnictví typický pro obrazy. V roce 2002 se sestra této instalace, Sleepy Winter, prodala za 7,4 milionu dolarů, což je více než polovina ceny. Někdo „vysvětlil“ rozdíl v ceně tím, že tablety jsou v zimě vybledlé. Ale je jasné, že toto vysvětlení je naprosto neopodstatněné, protože mechanismus cen pro takové věci již nesouvisí s jejich dekorativní povahou.
V roce 2007 mnozí uznali Hirsta za autora nejdražšího díla mezi žijícími umělci. Otázka je však z kategorie „podle toho, jak počítáte“. Faktem je, že Hirst se prodával za drahé libry a Jones za nyní levnější dolary, a to dokonce před dvaceti lety. Ale i když počítáme v nominální hodnotě, aniž bychom vzali v úvahu 20letou inflaci, pak byla Hirstova práce dražší v dolarech a Jonesova v librách. Situace byla hraniční a každý se mohl svobodně rozhodnout, kdo je považován za nejdražšího. Ale Hearst na prvním místě moc dlouho nevydržel. Ve stejném roce 2007 byl z prvního místa vytlačen Koonsem se svým „Hanging Heart“.
Právě v předvečer celosvětového poklesu cen současného umění podnikl Hirst pro mladého umělce nebývalý podnik – samostatnou aukci jeho děl, která se konala 15. září 2008 v Londýně. O den dříve oznámená zpráva o bankrotu Lehman Brothers vůbec nezkazila apetit milovníků současného umění: z 223 děl nabízených Sotheby's jen pět nenašlo nové majitele (jeden z kupců byl mimochodem Victor Pinchuk). Práce "Zlatý Býk"- obrovský vycpaný býk ve formaldehydu, korunovaný zlatým kotoučem - přinesl tolik 10,3 milionu GBP (18,6 milionu $). Toto je nejlepší Hirstův výsledek, pokud se počítá v librách (měna, ve které byla transakce provedena). V dolarech se však řadíme do žebříčku, takže (ať nám Zlaté tele odpustí) budeme stále považovat „Sleepy Spring“ za nejlepší Hirstův prodej.
Od roku 2008 nemá Hirst tržby na úrovni „Sleepy Spring“ a „The Golden Calf“. Čerstvé desky z roku 2010 – pro díla Richtera, Jonese, Fanzhi, Wool a Koons – posunuly Damiena na šesté místo v našem žebříčku. Ale nedělejme kategorický soud o konci Hearstovy éry. Podle analytiků se Hirst jako „superstar“ již zapsal do historie, což znamená, že bude kupován na velmi dlouhou dobu; Největší hodnotu do budoucna však předpovídají díla vytvořená v nejinovativnějším období jeho kariéry, tedy v 90. letech.
14. MAURIZIO CATTELAN Mu. 2001. 17,19 milionů dolarů
Ital Maurizio Cattelan (1960) se dostal k umění poté, co pracoval jako hlídač, kuchař, zahradník a návrhář nábytku. Samouk se stal světově proslulým svými ironickými sochami a instalacemi. Shodil na papeže meteorit, udělal z manželky klienta loveckou trofej, udělal díry do podlahy Muzea starých mistrů, ukázal obří prostředníček na milánské burze a přivezl živého osla na veletrh Frieze. V blízké budoucnosti Cattelan slibuje instalaci zlaté toalety v Guggenheimově muzeu. Nakonec se dovádění Maurizia Cattelana dostalo širokého uznání v uměleckém světě: byl pozván na Benátské bienále (instalace „Ostatní“ v roce 2011 – hejno dvou tisíc holubů, kteří ze všech trubek a trámů hrozivě hledí na davy návštěvníci procházející níže), zařídili mu retrospektivu v Guggenheimově muzeu v New Yorku (listopad 2011) a nakonec dostal za své sochy hodně peněz.
Od roku 2010 je nejdražším dílem Maurizia Cattelana vosková socha muže vypadajícího z díry v podlaze, vzhledově podobná samotnému umělci (Bez názvu, 2001). Tato sochařská instalace, která existuje ve třech exemplářích plus autorská kopie, byla poprvé vystavena v muzeu Boijmans van Beuningen v Rotterdamu. Pak tato zlomyslná postavička vyhlédla z díry v podlaze sálu s obrazy holandských malířů 18. - 19. století. Maurizio Cattellan se v tomto díle spojuje s odvážným zločincem vtrhujícím do posvátného prostoru muzejní síně s obrazy velkých mistrů. Chce tak umění zbavit svatozáře posvátnosti, kterou mu dávají zdi muzea. Dílo, které vyžaduje, aby byly pokaždé vystaveny otvory v podlaze, bylo v Sotheby’s prodáno za 7,922 milionu dolarů.
Rekord vydržel až do 8. května 2016, kdy bylo Cattelanovo ještě provokativnější dílo „Him“, zobrazující klečícího Hitlera, vydraženo za 17,189 milionu dolarů. Je to zvláštní věc. Jméno je zvláštní. Výběr postavy je riskantní. Jako všechno od Cattelan. Co tím myslí? „Jeho“ nebo „Jeho pekelné veličenstvo“? Je jasné, že se rozhodně nebavíme o glorifikaci obrazu Fuhrera. Hitler v tomto díle vystupuje spíše v bezmocné, žalostné podobě. A absurdní – inkarnace Satana je vyrobena vysoká jako dítě, oblečená v kostýmu školáka a klečící s pokorným výrazem ve tváři. Pro Cattelana je tento snímek pozvánkou k zamyšlení nad povahou absolutního zla a způsobem, jak se zbavit strachů. Mimochodem, socha „Him“ je dobře známá západnímu publiku. Její bratři v sérii byli vystaveni více než 10krát v předních muzeích po celém světě, včetně Pompidou Center a Solomon Guggenheim Museum.
15. MARK GROTJAN Bez názvu (S III Vydáno do France Face 43.14). 2011. 16,8 milionů dolarů
17. května 2017 se na večerní aukci Christie’s v New Yorku objevil jeden z nejmocnějších obrazů Marka Grotjahna, který byl kdy dán do aukce. Obraz „Bez názvu (S III Released to France Face 43.14)“ vystavil pařížský sběratel Patrick Seguin s odhadem 13–16 milionů dolarů, a protože prodej pozemku garantovala třetí strana, nikoho to nijak zvlášť nepřekvapilo. založením nového osobního aukčního rekordu 49letého umělce . Kladívková cena 14,75 milionu dolarů (včetně Kupujícího prémie 16,8 milionu dolarů) překonala Grotjahnův předchozí aukční rekord o více než 10 milionů dolarů, čímž se zařadil do klubu žijících umělců, jejichž díla se prodávají za osmimístné částky. V aukční pokladně Marka Grotjahna je již asi třicet sedmimístných výsledků (tržby přes 1 milion dolarů, ale ne více než 10 milionů dolarů).
Mark Grotjahn (1968), v jehož díle odborníci spatřují vliv modernismu, abstraktního minimalismu, popu a op artu, přišel ke svému charakteristickému stylu v polovině 90. let poté, co se s přítelem Brentem Petersonem přestěhoval do Los Angeles a otevřel si tam galerii. "Pokoj 702" Jak sám umělec vzpomíná, v té době začal přemýšlet o tom, co je pro něj v umění na prvním místě. Hledal motiv, se kterým by mohl experimentovat. A uvědomil jsem si, že ho vždycky zajímala linie a barva. Experimenty v duchu Rayonismu a minimalismu s lineární perspektivou, četnými úběžníky a vícebarevnými abstraktními trojúhelníkovými tvary nakonec přinesly Grotjahnovi světovou slávu.
Od abstraktních barevných krajin s několika horizonty a mizejícími body perspektivy se nakonec dostal k trojúhelníkové tvary, připomínající motýlí křídla. Grotjahnovy obrazy 2001–2007 Tomu se říká „motýli“. Dnes je pohyb úběžného bodu nebo použití několika úběžníků najednou, rozmístěných v prostoru, považováno za jednu z umělcových nejsilnějších technik.
Další velká série prací se jmenovala „Tváře“; v abstraktních liniích této série lze rozeznat rysy lidské tváře, zjednodušené do stavu masky v duchu Matisse, Jawlenského nebo Brancusiho. Když mluvíme o extrémním zjednodušení a stylizaci forem, o kompozičním řešení maleb, kdy se na nás z lesního houští jakoby dívají roztroušené kontury očí a úst, badatelé si všímají souvislosti mezi Grotjanovými „Tvářemi“ a uměním primitivní kmeny Afriky a Oceánie, zatímco sám umělec prostě „má rád obrazové oči hledící z džungle. Občas jsem si představoval obličeje paviánů nebo opic. Nemohu říci, že bych byl vědomě nebo podvědomě ovlivněn primitivním africkým uměním, spíše mě ovlivnili umělci, kteří jím byli ovlivněni. Picasso je nejzřetelnějším příkladem."
Díla ze série „Faces“ se nazývají brutální a elegantní, lahodí oku a lahodí mysli. Postupem času se mění i textura těchto děl: k vytvoření efektu vnitřního prostoru používá umělec široké tahy husté barvy, dokonce i šplouchání ve stylu Pollocka, ale povrch malby je zarovnán tak, že při bližším zkoumání působí naprosto plochým dojmem. Obraz „Bez názvu (S III Released to France Face 43.14)“, který vytvořil aukční rekord, patří právě do této slavné série Marka Grotjahna.
16. TAKASHI MURAKAMI Můj osamělý kovboj. 15,16 milionu dolarů
japonský Takashi Murakami (1962) vstoupil do našeho hodnocení s plastikou "Můj osamělý kovboj", prodaný v Sotheby's v květnu 2008 za $ 15,16 milionu. Díky tomuto prodeji byl Takashi Murakami dlouho považován za nejúspěšnějšího žijícího asijského umělce – dokud nebyl zastíněn prodejem Poslední večeře od Zeng Fanzhiho.
Takashi Murakami pracuje jako malíř, sochař, módní návrhář a animátor. Murakami chtěl jako základ své práce vzít něco skutečně japonského, bez západních nebo jakýchkoli jiných výpůjček. Během studentských let byl fascinován tradiční japonskou malbou nihonga, kterou později vystřídalo populární umění anime a manga. Tak se zrodil psychedelický pan DOB, vzory usměvavých květin a zářivé, lesklé plastiky ze skelných vláken, jako by přímo ze stránek japonských komiksů. Někteří považují Murakamiho umění za rychlé občerstvení a ztělesnění vulgárnosti, jiní nazývají umělce Japoncem Andy Warholem – a v řadách těch druhých, jak vidíme, je mnoho velmi bohatých lidí.
Murakami si jméno pro svou sochu vypůjčil z filmu Andyho Warhola „Lonely Cowboys“ (1968), který Japonci, jak sám přiznal, nikdy neviděli, ale spojení slov se mu opravdu líbilo. Murakami fanoušky erotických japonských komiksů jednak potěšil, jednak je vysmál jednou plastikou. Zvětšený a také trojrozměrný hrdina anime se promění ve fetiš masové kultury. Toto umělecké prohlášení je zcela v duchu klasického západního pop-artu (vzpomeňte si na nábytkovou sadu Allena Jonese nebo Koonsova „Růžového pantera“), ale s národním nádechem.
17. KAWS. Album od KAWS. 2005. 14 784 505 $
KAWS je pseudonym amerického umělce Briana Donnellyho z New Jersey. Je nejmladším účastníkem našeho žebříčku, narozen v roce 1974. Donelly začínal jako animátor u Disneyho (maloval pozadí pro kreslený film „101 dalmatinů“ a další). Od mládí se zajímal o graffiti. Jeho charakteristickým designem byla zpočátku lebka s „X“ na místě očních důlků. Díla mladého spisovatele si oblíbili postavy showbyznysu a lidé z módního průmyslu: vytvořil obal pro album Kanye Westa a vydal spolupráci s Nike, Comme des Garçons a Uniqlo. Postupem času se KAWS stala známou osobností ve světě současného umění. Jeho charakteristická postava, připomínající Mickey Mouse, zakořenila v muzeích, veřejných prostorách i soukromých sbírkách. Kdysi KAWS vydal limitovanou edici vinylových hraček společně se značkou My Plastic Heart a nečekaně se staly předmětem vysokého sběratelského zájmu. Jedním z vášnivých sběratelů těchto „hraček“ je zakladatel Černá hvězda rapper Timati: téměř kompletně shromáždil celou sérii „Cavs Companions“.
Dílo KAWS vytvořilo rekord za umělcovo dílo – 14,7 milionu dolarů – na aukci Sotheby's v Hong Kongu 1. dubna 2019. Dříve byla ve sbírce japonského módního návrháře Niga. Album KAWS je poctou obalu slavného alba The Beatles z roku 1967 Sgt. Jen místo lidí jsou na něm Kimpsonovi - stylizované postavičky z animované série Simpsonovi s "X" místo očí.
18. JIN SHANI Tádžická nevěsta. 1983. 13,89 milionů dolarů
Mezi relativně mladými a současnými čínskými umělci, kteří všichni patří k tzv. „nové vlně“ čínského umění konce 80. let, se v našem hodnocení zcela nečekaně objevil zástupce úplně jiné generace a jiné školy. Dnes přes 80 let Jin Shangyi je jedním z předních představitelů první generace umělců v komunistické Číně. Názory této skupiny umělců se formovaly do značné míry pod vlivem jejich nejbližšího komunistického spojence – SSSR.
Oficiální sovětské umění, socialistický realismus, olejomalba, která byla tehdy pro Čínu neobvyklá (na rozdíl od tradičních Čínská malba inkoust) byly na vrcholu popularity v 50. letech a sovětský umělec Konstantin Methodievich Maksimov přišel na tři roky (od roku 1954 do roku 1957) učit na Pekingskou uměleckou univerzitu. Jin Shani, který byl v té době nejmladší ve skupině, skončil v jeho třídě. Umělec vždy vzpomínal na svého učitele s velkou vřelostí a řekl, že to byl Maksimov, kdo ho naučil správně chápat a zobrazovat model. K. M. Maksimov vycvičil celou galaxii čínských realistů, dnes už klasiků.
V díle Jin Shana je cítit vliv jak sovětského „tvrdého stylu“, tak evropské malířské školy. Umělec věnoval mnoho času studiu dědictví renesance a klasicismu, přičemž považoval za nutné zachovat ve svých dílech čínského ducha. Obraz „Tádžická nevěsta“, namalovaný v roce 1983, je považován za všeobecně uznávané mistrovské dílo, nový milník v díle Jin Shana. V listopadu 2013 jej dal China Guardian do aukce a prodal se několikrát více, než se odhadovalo – za 13,89 milionu dolarů včetně provize.
19. BANKSY Rozložený parlament. 2008. 12,14 milionů dolarů
Nástěnné malby označené Banksym se začaly objevovat na městských zdech (nejprve v Británii a poté po celém světě) koncem 90. let. Jeho filozofická a zároveň drásavá graffiti byla věnována problémům státního útoku na svobody občanů, zločinům proti životnímu prostředí, nezodpovědné spotřebě a nelidskosti systému nelegální migrace. Postupem času získaly „výtky“ Banksyho zdi nebývalou mediální popularitu. Ve skutečnosti se stal jedním z hlavních zastánců veřejného mínění odsuzujícího pokrytectví států a korporací, produkující rostoucí nespravedlnost v kapitalistickém systému.
Význam Banksyho, smysl pro „nerv času“ a přesnost jeho metafor ocenili nejen diváci, ale i sběratelé. V roce 2010 byly za jeho díla dány statisíce nebo dokonce více než milion dolarů. Došlo to až do bodu, kdy Banksyho graffiti vylomili a ukradli spolu s kusy zdí.
V éře pokročilého digitálního dohledu se Banksymu stále daří udržovat anonymitu. Existuje verze, že se již nejedná o jednoho člověka, ale o skupinu několika umělců v čele s talentovanou ženou. To by mnohé vysvětlovalo. A vnější odlišnost spisovatelů zachycená v objektivech svědeckých kamer a neosobní šablonová metoda aplikace (poskytuje vysokou rychlost a nevyžaduje přímou účast autora) a dojemná romantika předmětů obrazů ( koule, sněhové vločky atd.). Ať je to jak chce, lidé z projektu Banksy včetně jeho asistentů vědí, jak držet jazyk za zuby.
V roce 2019 se Banksyho nejdražším dílem nečekaně stalo čtyřmetrové plátno Devolved Parliament („degradovaný“, „rozpadlý“ nebo „přenesený“ parlament). Šimpanzi hádající se v Dolní sněmovně jako by se v roce skandálního Brexitu vysmívali publiku. Je s podivem, že obraz byl namalován 10 let před tímto historickým zlomem, a proto ho někdo považuje za prorocký. V aukci Sotheby's dne 3. října 2019, během prudkého licitování, neznámý kupec koupil tento olej za 12 143 000 $ - šestkrát dražší, než byl předběžný odhad.
20. JOHN CURREN "Sladké a jednoduché." 1999. 12,007 milionů dolarů
americký umělec John Curran (1962) známý svými satirickými figurativními malbami na provokativní sexuální a sociální témata. Currenova díla dokážou kombinovat malířské techniky starých mistrů (zejména Lucase Cranacha staršího a manýristů) a módní fotografie z lesklých časopisů. Pro dosažení větší grotesknosti Curren často deformuje proporce lidského těla, zvětšuje nebo zmenšuje jeho jednotlivé části a zobrazuje hrdiny ve zlomených, vychovaných pózách.
Curren začal v roce 1989 s portréty dívek překreslenými ze školního alba; pokračoval na počátku 90. let malbami prsatých krásek, inspirovanými fotkami z Cosmopolitanu a Playboye; v roce 1992 se objevily portréty bohatých starších dam; a v roce 1994 se Curren oženil se sochařkou Rachel Feinsteinovou, která se na dlouhá léta stala jeho hlavní múzou a modelkou. Na konci 90. let mu Currenovo technické mistrovství v kombinaci s kýčem a groteskností jeho obrazů přineslo popularitu. V roce 2003 se Larry Gagosian ujal práce propagace umělce, a pokud se takového umělce ujme dealer jako Gagosian, úspěch je zaručen. V roce 2004 se ve Whitney Museum konala retrospektiva Johna Currana.
Přibližně v této době se jeho díla začala prodávat za šestimístné částky. Současný rekord obrazu Johna Currena patří dílu „Sweet and Simple“, které se prodalo 15. listopadu 2016 v Christie's za 12 milionů dolarů. Obraz se dvěma akty sotva překonal spodní odhad 12–18 milionů. pro Johna Currana, kterému je nyní přes 50, je to rozhodně průlom v mé kariéře. Jeho předchozí rekord v roce 2008 byl 5,5 milionu dolarů (mimochodem zaplaceno za stejnou práci, „Sweet and Simple“).
21. BRYCE MARDEN Zúčastněné. 1996–1999 10,917 milionu dolarů
Dalším žijícím americkým abstraktním umělcem v našem žebříčku je Brice Marden (1938). Mardenova díla ve stylu minimalismu a od konce 80. let - gestická malba vynikají svou jedinečnou, mírně tlumenou paletou. Barevné kombinace v Mardenových dílech jsou inspirovány jeho cestami po světě – Řecko, Indie, Thajsko, Srí Lanka. Mezi autory, kteří ovlivnili Mardenův vývoj, patří Jackson Pollock (Marden na počátku 60. let pracoval jako ochranka v Židovském muzeu, kde byl na vlastní oči svědkem Pollockova „kapání“, Alberto Giacometti (seznámený s jeho díly v Paříži) a Robert Rauschenberg (nějaký Marden nějakou dobu pracoval jako jeho asistent). První etapa Mardenovy tvorby byla věnována klasickým minimalistickým plátnům složeným z barevných obdélníkových bloků (horizontálních nebo vertikálních). Na rozdíl od mnoha jiných minimalistů, kteří dosahovali ideální kvality děl, jako by je tiskl stroj a nekreslil je člověk, Marden zachoval stopy umělcovy práce, kombinoval různé materiály (vosk a olejové barvy). Od poloviny 80. let pod vlivem orientální kaligrafie byla geometrická abstrakce nahrazena klikatými, meandrovitými liniemi, jejichž pozadím byla stejná jednobarevná barevná pole. Jedno z těchto „meandrových“ děl, „The Attended“, bylo prodáno v Sotheby’s v listopadu 2013 za 10,917 milionu dolarů, včetně provize.
22. Pierre Soulages Peinture 186 x 143 cm, 23. prosince 1959. 10,6 milionů $
23. ZHANG XIAOGAN Věčná láska. 10,2 milionu dolarů
Další představitel čínského moderního umění - symbolista a surrealista Zhang Xiaogang (1958). Na aukci Sotheby's v Hong Kongu 3. dubna 2011, kde se prodávalo čínské avantgardní umění ze sbírky belgického barona Guye Ullense, triptych Zhang Xiaoganga. "Věčná láska" byl prodán za $ 10,2 milionu. V té době to byl rekord nejen pro umělce, ale pro celé čínské současné umění. Říká se, že Xiaogangovo dílo koupila manželka miliardáře Wang Wei, která plánuje otevřít své vlastní muzeum.
Zhang Xiaogang, který se zajímá o mystiku a východní filozofii, napsal příběh „Věčné lásky“ ve třech částech – život, smrt a znovuzrození. Tento triptych byl zařazen na ikonickou výstavu Čína/avantgarda v roce 1989 v Národním muzeu umění. Také v roce 1989 byly studentské demonstrace brutálně potlačeny armádou na náměstí Nebeského klidu. Po této tragické události se začaly utahovat šrouby – výstava v Národním muzeu byla rozehnána, řada umělců emigrovala. V reakci na shora vnucený socialistický realismus vznikl směr cynického realismu, jehož jedním z hlavních představitelů byl Zhang Xiaogang.
24. BRUCE NAUMAN Bezmocný Henry Moore. 1967. 9,9 milionů dolarů
americký Bruce Nauman (1941), vítěz hlavní ceny na 48. bienále v Benátkách (1999), trvalo dlouho, než dosáhl svého rekordu. Nauman začal svou kariéru v šedesátých letech. Znalci jej spolu s Andym Warholem a Josephem Beuysem označují za jednu z nejvlivnějších osobností umění druhé poloviny dvacátého století. Intenzivní intelektuálnost a absolutní nedostatek dekorativnosti některých jeho děl však zjevně bránily jeho rychlému uznání a úspěchu u široké veřejnosti. Nauman často experimentuje s jazykem a objevuje nečekané významy ve známých frázích. Slova se stávají ústředními postavami mnoha jeho děl, včetně neonových pseudonápisů a panelů. Sám Nauman se nazývá sochařem, i když se za posledních čtyřicet let vyzkoušel ve zcela jiných žánrech - sochařství, fotografie, videoart, performance, grafika. Na počátku devadesátých let Larry Gagosian pronesl prorocká slova: „Ještě si musíme uvědomit skutečnou hodnotu Naumanovy práce. Stalo se to takto: 17. května 2001 v Christie's, Naumanovo dílo z roku 1967 "Bezmocný Henry Moore (pohled zezadu)"(Henry Moore Bound to Fail (Backview)) vytvořil nový rekord v segmentu poválečného umění. Odlitek Naumanových rukou svázaných za jeho zády, vyrobený ze sádry a vosku, šel pod kladivo za $ 9,9 milionu do sbírky francouzského magnáta Francoise Pinaulta (podle jiných zdrojů Američanka Phyllis Wattis). Odhad práce byl pouze 2–3 miliony dolarů, takže výsledek byl pro všechny skutečným překvapením.
Před tímto legendárním prodejem jen dvě Naumanova díla překonala hranici milionu dolarů. A za celou jeho aukční kariéru šlo zatím jen šest děl kromě „Henryho Moorea...“ na sedmiciferné sumy, ale jejich výsledky se s devíti miliony stále nedají srovnat.
„Helpless Henry Moore“ je jednou ze série polemických prací Naumana o postavě Henryho Moora (1898–1986), britského umělce, který byl v šedesátých letech považován za jednoho z největších sochařů dvacátého století. Mladí autoři, kteří se ocitli ve stínu uznávaného mistra, na něj pak zaútočili vášnivou kritikou. Naumanovo dílo je odpovědí na tuto kritiku a zároveň zamyšlením nad tématem kreativity. Název díla se stává slovní hříčkou, neboť spojuje dva významy anglického slova bound – svázaný (v doslovném smyslu) a odsouzený k určitému osudu.
Pozornost! Veškeré materiály na stránce a databáze výsledků aukcí na stránce, včetně ilustrovaných referenčních informací o dílech prodaných v aukci, jsou určeny k použití výhradně v souladu s čl. 1274 občanského zákoníku Ruské federace. Použití pro komerční účely nebo v rozporu s pravidly stanovenými občanským zákoníkem Ruské federace není povoleno. stránka nenese odpovědnost za obsah materiálů poskytnutých třetími stranami. V případě porušení práv třetích osob si správa stránek vyhrazuje právo na jejich odstranění ze stránek a z databáze na základě žádosti oprávněného orgánu.
Umění se neustále vyvíjí, stejně jako celý svět kolem nás. Moderní umělci 21. století a jejich obrazy se vůbec nepodobají těm, kteří existovali ve středověku a renesanci. Objevují se nová jména, materiály, žánry a způsoby vyjádření talentů. V tomto hodnocení se setkáme s deseti inovativními umělci naší doby.
10. Pedro Campos. Na desátém místě je Španěl, jehož štětec může klidně konkurovat fotoaparátu, maluje tak realistická plátna. Z velké části tvoří zátiší, ale úžasný obdiv nebudí ani tak témata jeho obrazů, ale mistrné provedení. Textury, melíry, hloubka, perspektiva, objem – to vše podřídil Pedro Campos svému štětci, aby z plátna na diváka koukala realita a ne fikce. Bez přikrášlení, bez romantismu, pouze realita, přesně to je smyslem žánru fotorealismu. Mimochodem, smysl pro detail a pečlivost získal umělec při práci restaurátora.
9. Richard Estes. Další fanoušek žánru fotorealismu, Richard Estes, začal s obyčejnou malbou, ale později přešel k malbě městských krajin. Dnešní umělci a jejich výtvory se nepotřebují nikomu přizpůsobovat, a to je úžasné, každý se může vyjadřovat, jak chce, v čem chce. Stejně jako v případě Pedra Campose lze dílo tohoto mistra snadno zaměnit s fotografiemi, město z nich je tak podobné tomu skutečnému. Na Estesových obrazech málokdy vidíte lidi, ale téměř vždy jsou tam odrazy, zvýraznění, paralelní linie a dokonalá ideální kompozice. Městskou krajinu tak jen nenačrtává, ale nachází v ní dokonalost a snaží se ji ukázat.
8. Kevin Sloan. Současných umělců 21. století a jejich obrazů je neskutečné množství, ale ne každý z nich stojí za pozornost. Američan Kevin Sloan stojí, protože jeho díla jako by přenášela diváka do jiné dimenze, světa plného alegorií, skrytých významů a metaforických hádanek. Umělec rád maluje zvířata, protože podle jeho názoru tak získává větší svobodu než s lidmi při předávání příběhu. Sloan vytváří svou „realitu s úlovkem“ v olejích téměř 40 let. Velmi často se na plátnech objevují hodiny: buď se na ně dívá slon, nebo chobotnice, tento obraz lze interpretovat jako plynutí času nebo jako omezení života. Každý ze Sloanových obrazů ohromuje představivost, chcete přijít na to, co jí chtěl autor sdělit.
7. Laurent Parselier. Tento malíř je jedním z těch současných umělců 21. století, jejichž obrazy se dočkaly uznání brzy, již během studií. Laurentův talent se projevil ve vydaných albech pod obecným názvem „ Zvláštní svět" Maluje oleji, jeho styl je lehký a tíhne k realismu. Charakteristický rys Umělcova díla se vyznačují množstvím světla, které jako by se valilo z pláten. Zpravidla zobrazuje krajiny a některá rozpoznatelná místa. Všechna díla jsou neobvykle lehká a vzdušná, plná slunce, svěžesti a dechu.
6. Jeremy Mann. Rodák ze San Francisca své město miloval a nejčastěji ho zobrazoval na svých obrazech. Moderní umělci 21. století mohou najít inspiraci pro své obrazy kdekoli: v dešti, na mokrých chodnících, na neonovém nápisu, na městských lampách. Vyplňuje Jeremy Mann jednoduché krajiny nálada, historie, experimenty s technikami a výběr barev. Hlavním materiálem Manny je olej.
5. Hans Rudolf Giger. Na pátém místě je nenapodobitelný, jedinečný Hans Giger, tvůrce Vetřelce ze stejnojmenného filmu. Dnešní umělci a jejich díla jsou různorodí, ale každý je svým způsobem geniální. Tento zachmuřený Švýcar nemaluje přírodu a zvířata, preferuje „biomechanickou“ malbu, ve které vyniká. Někteří umělce přirovnávají k Boschovi v ponurosti a fantazii jeho obrazů. Přestože Gigerovy obrazy vyzařují něco nadpozemského a nebezpečného, nelze mu upřít techniku a zručnost: je pozorný k detailům, kompetentně vybírá odstíny, vše promýšlí do nejmenších detailů.
4. Will Barnett. Tento umělec má svůj vlastní jedinečný autorský styl, a proto jsou jeho díla ochotně přijímána velkými muzei světa: Metropolitním muzeem umění, Národní galerií umění, britské muzeum, Ashmolean Museum, Vatikánské muzeum. Současní umělci 21. století a jejich díla, aby byli uznáváni, musí nějak vyčnívat z ostatních mas. A Will Barnett to dokáže. Jeho práce jsou grafické a kontrastní, často zobrazuje kočky, ptáky a ženy. Barnettovy obrazy jsou na první pohled jednoduché, ale při dalším zkoumání si uvědomíte, že jejich genialita spočívá v této jednoduchosti.
3. Neil Simon. Jedná se o jednoho ze současných umělců 21. století, jehož díla nejsou tak jednoduchá, jak se na první pohled zdá. Jako by se hranice mezi náměty a díly Neila Simona stíraly, plynuly od jednoho k druhému, táhly diváka s sebou a vtahovaly ho do iluzorního světa umělce. Simonovy výtvory se vyznačují jasnými, sytými barvami, což jim dodává energii a sílu a vyvolává emocionální odezvu. Mistr si rád hraje s perspektivou, velikostí předmětů, s neobvyklými kombinacemi a nečekanými tvary. Umělcova díla obsahují spoustu geometrie, která je kombinována s přírodními krajinami, jako by praskala uvnitř, ale neničila, ale harmonicky se doplňovala.
2. Igor Morski. Dnešní umělec 21. století a jeho obrazy bývají srovnávány s velkým géniem Salvadorem Dalím. Díla polského mistra jsou nepředvídatelná, tajemná, vzrušující, vyvolávají silnou emocionální odezvu a někdy jsou bláznivá. Jako každý jiný surrealista se nesnaží ukazovat realitu takovou, jaká je, ale ukazuje fasety, které v životě neuvidíme. Nejčastěji je hlavní postavou Morskiho děl člověk se všemi svými strachy, vášněmi a nedostatky. Také metafory v dílech tohoto surrealisty se často týkají moci. Nejde samozřejmě o umělce, jehož dílo byste si pověsili nad postel, ale o takového, na jehož výstavu se rozhodně vyplatí zajít.
1. Yayoi Kusama. Na prvním místě v našem žebříčku je tedy japonská umělkyně, která dosáhla neuvěřitelných úspěchů po celém světě i přes to, že má nějaké duševní choroby. Hlavním rysem umělce jsou puntíky. Kryje se v kruzích různé formy a velikostí všeho, co vidí, nazývá to všechno sítě nekonečna. Kusamovy interaktivní výstavy a instalace mají úspěch, protože každý někdy chce (i když si to nepřipouští) být uvnitř psychedelického světa halucinací, dětské spontánnosti, fantazií a barevných kruhů. Mezi současnými umělci 21. století a jejich obrazy je nejprodávanější Yayoi Kusama.
Svět je plný kreativních lidí a každý den se objevují stovky nových obrazů a vznikají nové písně. Samozřejmě, že ve světě umění existují nějaké přešlapy, ale existují mistrovská díla skutečných mistrů, která jsou prostě dechberoucí! Jejich práci vám dnes ukážeme.
Rozšířená realita tužkou
Fotograf Ben Heine pokračuje v práci na svém projektu, který je směsí kreseb tužkou a fotografie. Nejprve si udělá skicu od ruky tužkou na papír. Poté kresbu vyfotografuje na pozadí skutečného objektu a výsledný obrázek doladí ve Photoshopu, přidá kontrast a sytost. Výsledkem je kouzlo!
Ilustrace Alisa Makarova
Alisa Makarova je talentovaná umělkyně z Petrohradu. V době, kdy většina obrazů vzniká pomocí počítače, vzbuzuje zájem našeho krajana o tradiční formy malby respekt. Jedním z jejích posledních projektů je triptych „Vulpes Vulpes“, ve kterém můžete vidět okouzlující ohnivě červené lišky. Krása, a to je vše!
Jemné rytí
Umělci dřeva Paul Rodin a Valeria Lu oznámili vytvoření nové rytiny s názvem „The Moth“. Pečlivá práce a vytříbená řemeslná zručnost autorů nenechává lhostejnými ani ty nejzarputilejší skeptiky. Tisk bude představen na nadcházející výstavě v Brooklynu 7. listopadu.
Kresby kuličkovým perem
Pravděpodobně každý, alespoň jednou během přednášek, místo toho, aby zapisoval slova učitele, kreslil různé postavy do sešitu. Není známo, zda umělkyně Sarah Esteje byla jedním z těchto studentů. Ale to, že její kresby kuličkovým perem jsou působivé, je neoddiskutovatelný fakt! Sarah prostě dokázala, že k vytvoření něčeho skutečně zajímavého nepotřebujete žádné speciální materiály.
Surrealistické světy Artema Chebokha
Ruský umělec Artem Chebokha vytváří neuvěřitelné světy, kde existuje pouze moře, nebe a nekonečná harmonie. Pro svá nová díla si umělec vybral velmi poetické obrazy - poutníka putujícího neznámými místy a velryby kroužící v oblačných vlnách - let fantazie tohoto mistra je prostě neomezený.
Bodové portréty
Někdo přemýšlí o technice tahu štětcem, jiný o kontrastu světla a stínu, ale umělec Pablo Jurado Ruiz maluje tečkami! Umělec rozvinul myšlenky žánru pointilismu, který je vlastní autorům éry neoimpresionismu, a vytvořil vlastní vlastní styl, kde detaily rozhodují naprosto o všem. Tisíce dotyků s papírem vedou k realistickým portrétům, na které se prostě chcete dívat.
Obrazy z disket
V době, kdy mnoho věcí a technologií zastarává rychlostí projíždějícího rychlíku, je zcela běžné zbavit se nepotřebného harampádí. Nicméně, jak se ukázalo, ne všechno je tak smutné a staré předměty lze použít k výrobě velmi moderní práce umění. Anglický umělec Nick Gentry shromáždil od přátel čtvercové diskety, vzal sklenici barvy a namaloval na ně úžasné portréty. Ukázalo se to velmi krásné!
Na hranici realismu a surrealismu
Berlínský umělec Harding Meyer rád maluje portréty, ale aby se nestal dalším hyperrealistou, rozhodl se experimentovat a vytvořil sérii portrétů na hranici reality a surrealismu. Tato díla nám umožňují dívat se na lidskou tvář jako na něco víc než jen na „suchý portrét“, zvýrazňující její základ – obraz. V důsledku takových pátrání si Hardingova díla všimla Galerie moderního umění v Mnichově, která umělcovo dílo vystaví 7. listopadu.
Malování prstem na iPad
Mnoho moderních umělců experimentuje s materiály při vytváření obrazů, ale japonský umělec Seikou Yamaoka je všechny překonal tím, že jako plátno použil svůj iPad. Jednoduše si nainstaloval aplikaci ArtStudio a začal nejen kreslit, ale reprodukovat nejslavnější umělecká díla. Navíc to nedělá nějakými speciálními štětci, ale prstem, což vzbuzuje obdiv i mezi lidmi daleko od světa umění.
Malování "na dřevo".
S využitím všeho od inkoustu po čaj vytvořila umělkyně dřeva Mandy Tsung skutečně fascinující obrazy plné vášně a energie. Jako hlavní téma si zvolila tajemný obraz ženy a jejího postavení v moderním světě.
Hyperrealista
Pokaždé, když najdete díla hyperrealistických umělců, nedobrovolně si položíte otázku: Proč to všechno dělají? Každý z nich má na tuto a někdy dost rozporuplnou filozofii vlastní odpověď. Ale umělec Dino Tomic to otevřeně říká: „Já svou rodinu prostě moc miluji.“ Maloval dnem i nocí a snažil se nevynechat z portrétu svých příbuzných jediný detail. Jedna taková kresba mu zabrala minimálně 70 hodin práce. Říct, že rodiče byli potěšeni, neznamená nic.
Portréty vojáčků
18. října byla v Opera Gallery v Londýně zahájena výstava děl Joe Blacka s názvem „Ways of Seeing“. K vytvoření svých obrazů umělec použil nejen barvy, ale také nejneobvyklejší materiály - šrouby, prsní odznaky a mnoho dalšího. Hlavním materiálem však byli....vojáčci! Nejzajímavějšími exponáty výstavy jsou portréty Baracka Obamy, Margaret Thatcherové a Mao Ce-tunga.
Smyslné olejové portréty
Korejská umělkyně Lee Rim ještě před pár dny nebyla tak slavná, ale její nové obrazy „Girls in Paint“ vyvolaly široký ohlas a rezonanci ve světě umění. Lee říká: " Hlavní téma Moje práce jsou lidské emoce a psychický stav. I když žijeme v různých prostředích, v určitém okamžiku se při pohledu na předmět cítíme stejně.“ Možná právě proto chci při pohledu na její práci této dívce porozumět a proniknout do jejích myšlenek.
